Music Metro - схема истории музыки.

Baroque

Музыка периода барокко, XVII-середина XVIII века — это переломный момент в европейской академической музыке. Придя на смену ренессансу, барокко установило правила, которые используются в музыке по сей день.

Наиболее серьёзный вклад сделал Иоганн Себастьян Бах, написав «Хорошо Темперированный Клавир». Предполагалось, что эти два тома прелюдий и фуг исполняются во всех тональностях по тонам и полутонам, в 12-ти полутоновой системе (12 полутонов — 7 белых и 5 чёрных клавиш на рояле, например), которая называется темперированной. Такой вид настройки инструмента разрешает быть равноправными все тональности. То есть, одно произведение звучит одинаково хорошо в любой тональности. До того момента темперированная система была не в чести, но в последующих эпохах и вплоть до сегодняшнего дня по этой системе сочиняется 99% музыки, а «Хорошо Темперированный Клавир» является показательным примером в плане мелодии и гармонии для музыки последующих эпох.

Музыка того времени звучит пышно, манерно, но в тоже время слаженно и грациозно. Например, в период барокко была популярна «Музыка на воде» Генделя; высокопоставленные люди катались на лодках по озеру, а на берегу играл небольшой струнный оркестр. Музыка на воде наиболее точно отображает атмосферу периода барокко — излишества и помпезность. Другими яркими представителями периода барокко также являются Антонио Вивальли, Клаудио Монтеверди, Генри Пёрсел, Джованни Томазо Альбинони, Георг-Филипп Телеман. В этот период появляется опера и формируются новые музыкальные концепции в написании нот и их исполнении.

Classicisme

aka Classic

Период классицизма, вторая половина XII-XIII века — это продолжение традиций барокко, но в сформированных строгих рамках. В XII веке классицизм развивался параллельно с барокко, преимущественно во Франции, где наиболее популярными композиторами были Жан-Филипп Рамо и Жан-Батист Люлли, а XIII век — это Венская Школа, более популярная для слушателя.

Произведение классицизма идеально сбалансировано, в нём продуманы все тонкости, от первой до последней ноты произведение находится в некой схеме — начиная от формы и заканчивая гармоническими и мелодическими особенностями. Произведения классицизма звучат как утонченная эмоция. То есть, какую либо трагедию или радость музыка воплощает грациозно, тонко и даже непринужденно. Можно грубо сказать, что венский классицизм выглядит довольно типовым, неподготовленный слушатель перепутает все симфонии Гайдна.

Представителями венской школы — это Франц Иосиф Гайдн, Вольвганг Амадей Моцарт и Людвинг ван Бетховен. В этот же период оперные рефонмы немецкого композитора Кристофа Виллибальда Глюка определили новый этап развития оперы. Тогда же, благодаря венским классикам, окончательно формируется сонатная форма, которая основывается на противопоставлении двух контрастных тем, формируется также и симфония, этому сильно поспособствовал Гайдн. От формирования симфонии, приобретает современные черты и симфонический оркестр.

Romantism

Музыка периода романтизма XIX века отличается воплощением яркой ассоциации, чувств и эмоций, найденных в ритме, мелодии и гармонии. Если музыка классицизма более сдержанная и от того кажется одинаковой, то романтизм подсказывает слушателю своей атмосферой, о чём же произведение. Своим развитием, может рассказывать историю, раньше музыкальное настроение так не передавало и не вызывало эмоции. Композитор может ярко и без слов раскрыть какую-то литературную историю, воплотить в музыке личные переживания и эмоции, развивая их так, чтобы зритель всё понял без слов. Пришедшая из классицизма сонатная форма помогает в музыке контрастировать разным темам, противостоять друг другу, например, добру и злу, создавая конфликт. В более ранних периодах также существовала программность в произведениях, но в романтизме контраст сильнее, он ощущается на интуитивном уровне, через ассоциации.

Существует мнение, что романтизм начинается с Бетховена — его произведения выдержаны в типовых традициях классицизма, но уже становятся более эмоциональными. Также, сильным двигателем романтизма называют Шумана. С этими чертами произведения приобретают бОльшую индивидуальность и выразительность. Оркестр стал расширяться технически; роли инструментов расширяются с техническим прогрессом. Например, медные духовые с обретением вентилей теперь играют все ноты, раньше же были ограничения. Сильно на роли в оркестре повлиял Рихард Вагнер, используя новые инструменты и расширяя составы старых. Также, добавляются новые средства выражения. Например, Петр Чайковский в Увертюре 1812 использует залп пушек, а Иоганн Штраус-сын в польке «В Павловском лесу» использует специальные свистульки, которые изображают пение птиц. Немузыкальные средства выражения не в чести, но они помогают ассоциативности в прослушивании, а также добавляют некоторого элемента шоу.

Помимо Чайковского, Вагнера и Штрауса, яркими представителями романтизма являются Франц Шуберт, Гектор Берлиоз, Фредерик Шопен, Эдвард Григ, Ян Сибелиус, Михаил Иванович Глинка, Модест Петрович Мусоргский, Густав Маллер и многие другие композиторы Европы и России.

Impressionism

Музыка периода импрессионизма развивалась в конце XIX века, во Франции, параллельно с романтизмом, и продолжала развиваться в начале ХХ века. Импрессионизм в музыке имеет тонкую связь с импрессионизмом в живописи. Импрессионизм в живописи, в свою очередь — это картины моментов жизни, природы, то есть всего, что окружает человека в том виде, в каком оно есть. Impression в переводе с французского — впечатление.

Импрессионизм в музыке преследует те же принципы — произведение является картиной момента, впечатлением автора, утонченно и несколько статично описывая пейзаж или момент. Это главное отличие от романтизма — он эмоционален, рассказывает историю, показывает конфликт, развивается. А импрессионизм как картина — показывает шум моря, падающие капли с крыши, например. Показывает тонко и бесконфликтно; музыка почти без сюжетного развития.

В импрессионизме композиторы обращались к новым мелодическим, гармоническим и ритмическим приемам, для достижения ярких ассоциаций и описания впечатления, тем самым закладывая фундамент для модерновых идей. От этого музыка стала ещё более свободной; композиторы тонко и в тоже время ярко рисовали красочные моменты жизни музыкой. Первооткрывателем импрессионизма является Эрик Сати, позже он откажется от своих идей в пользу разных радикальных музыкальных экспериментов, но живописно-музыкальную идею подловят Клод Дебюсси и Морис Равель. Также, отдельные произведения Мануэля де Фалья, Отторио Респиги, Игоря Стравинского и других европейских композиторов начала XX века относят к импрессионизму.

House

Хаус-музыка — это первое воплощение клубной электронной музыки. Хаус появился из экспериментов диджея Френки Наклза с диско в Чикаго в начале 80-х, в клубе Wharehouse. Вначале это были ремиксы на диско (так называемое пост-диско), а к 86-87 годам чикагские музыканты в домашних условиях начали осваивать драм-машины и синтезаторы, основываясь на вокале, скорости 120 ударов в минуту, гармониях и ритме диско. Вскоре новый жанр стал играть в клубах Нью Йорка и Чикаго вместо диско.

Название пришло из вышеупомянутого клуба Wharehouse — музыку, которую заводил там Френки называли wharehouse music, что со временем сократилось до house music. Через пару-тройку лет у хауса появились поджанры, которые уже успели выйти за пределы Чикаго. В Нью Йорке заводили гараж (garage), в Великобритании стал популярен эйсид хаус (acid house), который не прижился в родном Чикаго. Довольно быстро хаус добрался и до Ибицы, где с годами вывелся в массы Балеарский хаус (Balearic house), в популярности по сей день не уступает и уникальный атмосферный поджанр дип-хаус (deep house), и с годами поджанров становилось всё больше и они разлетались по всему миру.

Пионерами и двигателями хауса, в начале его пути, являются Ларри Леван, Джесс Сандерс, Маршалл Джефферсон, Джимми Принсипл, Стив «Silk» Харли, Phuture, S Express. Звездами хауса в поджанрах в разное время стали Daft Punk, Бенни Бенасси, Дэвид Гетта, Арманд ван Хелден, Modjo, Пол Акенфолд, ATB, Dimitri from Paris, Blue Six, Керри Чендлер, Оливер Хелденс и многие другие.

Хаус — это основа электронной клубной культуры, а также неотъемлемая часть поп-музыки в наши дни.

Pop

Поп-музыка — понятие, которое собирает в себе множество разных звучаний, не имея какого-то конкретного. Поп — то есть популярное. Это изначально коммерческие песни и артисты, заточенные в первую очередь на заработок на творчестве. Вопреки стереотипам, поп — не значит «не качественно». Деньги и слава становятся мотиватором в творении. Артисты трудятся ради качественного танца, вокала и шоу, которое впечатляет, собирает залы и стадионы. Как следствие, артисты и их продюсеры зарабатывают именно на качественных творениях.

Формат шоу-бизнеса в поп-музыке окончательно освоился и начал работать в 80-е. В Великобритании синти-поп стал крайне популярным и вышел в массы до такой степени, что потерял свой смысл, ушел в андеграунд, оставив принципы исполнения и внешнюю подачу. В США электронные приемы стали появляться в диско и фанке, что дало больше средств выражений. К 80-м артисты пришли к выводу, что влияют на продажи видеоклипы; появляется телеканал MTV и внешняя обертка артиста стала еще более важной.

Со временем, помимо синти-попа, хай-энерджи и буги, аранжировки стали заимствоваться из музыки андеграунда. Например, В 1990-м году Мадонна первой использовала хаус в песне Vogue, до этого хаус был сугубо клубным жанром. Если музыкальное явление набирает популярность в узких кругах, оно скоро будет использоваться массово и станет трендом. Сама Мадонна является примером трудолюбия: она всегда хорошо танцует и делает качественные шоу. Далеко не сразу она начала заниматься вокалом более профессионально, но и этот момент все же наступил. Хотя, и без уроков вокала Мадонна нашла свою аудиторию и отклик.

Поп-музыка делится скорее на аудитории, нежели на жанры. Танцевальный поп, с элементами соула и фанка, является приоритетным в 80-е и 90-е: Майкл Джексон, Джордж Майкл и Уитни Хьюстон являются великими примерами, позже это Jamiroquai, Бруно Марс, Фарелл Уильямс. Электронный поп — это Moloko, Софи Эллис Бекстер, Джастин Тимберлейк, позже Леди Гага, Дуа Липа. В 90-е был крайне популярен жанр Евродэнс. Жанр тин-поп (teenager — тинейджер) — певцы и группы для подростков. К таким в 90-е относят Backstreet Boys, N’SYNC, позже Бритни Спирс, Кристину Агилеру и других. Современный тин-поп — Билли Айлиш, Ариана Гранде, BTS. Адалт контемпорари (adult contemporary) — это артисты, для которых в приоритете вокал, тексты и аранжировки, не взирая на моду. К таким относятся Стинг, Sade, Элтон Джон, Селин Дион, а также отдельные песни артистов, кто помимо модных песен делает и качественную музыку. Классический кросовер (classical crossover) — это поп-музыка с элементами оперы и иной академической музыки, Сара Брайтман является ярчайшим представителем.

Критики же, ругая успех артиста, скорее не относятся к его целевой аудитории или же считают, что искусство не должно продаваться, а оставаться в андеграунде для своих, где не потеряет своего шарма и качества. Но поп-музыка — это всегда ,баланс коммерции и искусства. Качественный продукт всегда будет хорошо продаваться и останется в истории надолго. А что называть качественным — решает публика, хотя, конечно, есть и профессиональные критерии.

Jazz

Направление, которое в начале XX века в США дало сильный толчок для развития музыки. Джаз — не противопоставление академической музыке (классике), а её продолжение; первые явные аккорды и гармонии начали появляться у Эрика Сати и Сергея Рахманинова, например, еще до возникновения джаза. Поиск новых музыкальных идей дал свои плоды, дав фундамент в джазовые законы мелодии и гармонии. Конечно, сильно повлиял и африканский фольклор, в первую очередь в ритмике и принципах исполнения музыки. То есть, потомки африканцев, рабы американского юга, могли играть на инструментах и петь не по европейским академическим законам, даже если пытались их изобразить.

Легенд возникновения джаза много: от танцевальных вечеров на площади в Новом Орлеане до музыкального сопровождения баров и публичных домов. Возможно, всё вместе, но важно понимать: всё происходило постепенно, с конца 1890-х до 1920-х джаз вбирал в себя разные музыкальные законы европейских и африканских культур. Мгновенно это не произошло. На американском юге соединяются воедино некоторые принципы академической музыки, блюза и африканской ритмики. В 1920-х, от строгого академизма, элементов марша, грустного блюза и примитивной ритмики не останется узнаваемых черт, появится новое направление, которое окрестят джазом, и исполняют его диксиленды — небольшие ансамбли, 6-7 человек. Из классического барабана и металлических тарелок разрастается ударная установка. Контрабас больше не нуждается в смычке. Гитара может играть не только блюз и фламенко, но и то, что к 40-м назовут свингом. А кларнет, труба и саксофон, до этого исполнявшие военную музыку, могут импровизировать, взяв за основу блюз и регтайм. Местом выявления первых четких черт джаза принято считать Новый Орлеан. Примечательно, что один из первых диксилендов Нового Орлеана состоял из белых музыкантов.

Позже, джазовые оркестры начнут появляться севернее, диксиленды сильно разовьются в Чикаго, а Нью Йорк будет сильным местом притяжения джазовой культуры, где она начнет развиваться в большие джазовые оркестры (биг-бенды), что и назовут свингом. К 50-м годам появится потребность в небольших клубах для своих, где играют 4-5 человек более сложный джаз — бибоп. Далее, из постепенного перехода времени, из жанра в жанр, из случайных находок музыкальных приемов, музыка перерастает в культуру. Теперь это не эксперименты, баловство или необходимость потомков афро-американских рабов, а сформировавшийся пласт музыки, без которого остальная музыка не существовала бы.

Представителями разных времен и жанров являются: Луи Армстронг, Элла Фицджеральд, Билли Холидей, Чарли Паркер, Бенни Гудмен, Пэгги Ли, Дюк Элингтон, Гленн Миллер, Дэйв Брубек, Майлс Дэвис, Джон Колтрейн, Диззи Гиллеспи, Артуро Сандоваль, Аструд Жилберту, Уинтон Марсалис, Чик Кориа и многие другие музыканты.

USA Academic Music

Американская академическая музыка — это важная тема в развитии истории музыки. Если коротко: европейские и русские эмигранты перебрались в Новый Свет и продолжали заниматься музыкой, кто-то под впечатлением от местных культур, а кто-то с ностальгией о родных землях.

Теперь не коротко. Академическая музыка в Америке и её система музыкального образования начинается с чешского композитора романизма Антонина Дворжака, которого пригласили на должность директора Нью Йоркской Консерватории в 1892 году. Дворжак проникся традиционной американской культурой и его самая популярная симфония — 9-я — называется «Из Нового Света», она стала апофеозом прибывания Дворжака в США. Композитора пригласили не только наладить систему образования, но и систему музыкальных американских ценностей, ведь первоначально США является сборной эмигрантов Европы, России и потомков рабов из Африки; страна не имела собственной культуры. Какая же музыка у Америки может называться национальной Дворжак так и не понял, за него это сделали Нью Йоркские журналисты, приписывая ему выводы, что музыка Америки — госпел и регтайм. Позже окажется, что журналисты близки к истине.

В конце XIX и начале XX века хлынула новая волна эмигрантов. Из России это были Сергей Рахманинов и Игорь Стравинский. Переезд не мог не оставить опечаток в их творчестве и наоборот, их творчество несомненно повлияло на местную культуру. Рахманинов скучал по родной России, под конец жизни он написал «Симфонические танцы», где саксофон играет соло на русский манер. Стравинский же более явно использовал джазовые приемы. Например, в 1945 году он пишет эбони-концерт для кларнета и джазового ансамбля (правда, нестандартного). Яркий пример «местных» композиторов — Чарльз Айвз. Современная академическая музыка присутствует и у композиторов к фильмам, например, у Филиппа Гласса.

Американская академическая музыка — не только последователи традиционного академизма, но также композиторы, сочетающие в себе джаз и симфонический оркестр. Это называется симфоджаз. Первооткрывателем смелого сочетания является Джордж Гершвин, а камнем преткновения, где соединился симфонический оркестр и джаз — Рапсодия в стиле блюз 1924 года, которую многие называют американской классикой. Также, его опера «Порги и Бесс», и симфоническая поэма «Американец в Париже» являются эталонными в сочетании джаза и академических законов. Позже, Леонард Бернстайн пишет мюзикл «Вестсайдская История», который часто исполняется оркестрами в концертных залах, наряду с его симфониями (например, 2-я «Век тревоги»). Произведения Бернстайна занимают весомую нишу в истории академической музыки США. В последствии, джазовое звучание симфонического оркестра стало фундаментальным в преображении оперетты в мюзикл, а также симфоджазовые аранжировки часто использовались в американском кинематографе в первой половине XX века.

Стоит отметить, что симфоджаз является не только американским достоянием. Мексиканский композитор Артуро Маркес изобретательно внедряет латину и джаз в симфонический оркестр, в Германии популярен Курт Вайль. Ярчайшим примером советского симфоджаза является Александр Цфасман.

Chillout

aka Lounge, Chillwave

В начале 90-х годов эмбиент в моде в Британии. С обволакивающими синтезаторами экспериментируют The Orb, Orbital, KLF, добавляя к эмбиенту бит хауса. Эмбиент-хаус стал первой ступенью предстоящей моды на фоновую электронную музыку, начиная с чиллаут-зон клубов. В это же время, на Ибице, Хосе Падилья сделал бизнес — записывал сборники музыки на аудиокассетах. Там было разное: лаунж и оркестровый поп середины века, джаз и латина. Зажигательные треки отсеивались, на этих сборниках всё объединяла легкость прослушивания. Бизнес пошел в гору, кассеты продавались. Спустя какое-то время Хосе стал диджеить в баре на берегу Cafe Del Mar и заодно продавать эти сборники.

В 1998 году выходит первая официальная компиляция, которая так и называется — Cafe Del Mar. Там было уже нечто общее между композициями, что-то электронное — в первую очередь бит (как медленный, так и доходящий до 120 ударов в минуту) и обволакивающие синтезаторы, подобно эмбиенту. Все треки также объединял шарм непринуждённой жизни не бедной Ибицы, музыка не рваная, не давящая, но актуальная по музыкальным приемам, модная. Элементы джаза, традиционной поп-музыки, эмбиента и сильная музыкальность, в противовес как бы примитивным рейв-направлениям, добавляла ценности — как духовной, так и материальной. Обычные диджеи не могут писать чиллаут, нужно знать музыкальные законы, свойства инструментов, гармонию, зачастую джазовую.

Такая музыка отлично подошла для закатов, которые наблюдаются с террасы Cafe Del Mar до сих пор. Сформировалось отдельное направление фоновой расслабляющей музыки. Помимо барной фоновой музыки, дорогие отели и рестораны мира подхватили фишку, что фоновая электронная музыка может продаваться на дисках и продвигать название их заведения. Таковыми вслед за Cafe Del Mar были Bhudda Bar, отель Costes, клуб Ministry of Sound и другие.

Чиллаут стал полноценным прикладным направлением, которое продолжает модерновые идеи Эрика Сати о мемблировочной музыке: играет фоном и на это не нужно обращать внимания. Идеи Сати были топорными и не поняты, но спустя 90 лет эти идеи в виде фоновой расслабляющей музыки оказалась кстати, но теперь в объединении многих других музыкальных культур. Появились поджанры: даунтэмпо, дип-хаус, нью-джаз, электробосса, электротанго, в сборники часто включали трип-хоп.

Ярчайшими представителями чиллаута в разных формах являются: St.Germain, De-Phazz, Jazzanova, Moby, Gotan Project и многие другие.

Synth pop

aka Electro pop,Techno pop

В конце 70-х начале 80-х в Европе популярна разная электроника с претензией на футуризм; высокотехнологичное будущее роботов и освоение космоса — от Kraftwerk до Жана-Мишеля Жара. Музыка не была массовой, скорее интеллектуальной. Массовость началась позже — электронщик Джорджо Мародер ввел синтезаторы в диско, что певица Донна Саммер, услышав в «I feel love», назвала hi-nrg (хай-энеджи). Союз Донны Саммер и Джорджио Мародера является первым широким шагом внедрения электроники в поп-музыку.

А в Великобритании, под впечатлением от Kraftwerk, британские музыканты начали писать свою музыку, но она получалась несколько проще, чем у немецких электронщиков. На синтезаторы уложилась куплетно-припевная форма поп-песен, добавились гитары и внешний вид музыкантов нью вейва — эдакого сильно упрощенного панка с синтезаторами и драм-машинами. Кожаные куртки, накрашенные лица и характерные вычурные прически — влияние панк-культуры ощущается, особенно в начале пути синти-попа. Яркость образов в поп-музыке существует по сей день благодаря панкам и их коммерческому следствию — нью вейву.

Одним низ первых синти-поп исполнителей является Гэри Ньюман. Его песня «Cars» отличается от диско, традиционного попа и других популярных направлений того времени, но похоже на еще более синтезаторный пост-панк. Примерно в это же время появляются группы Ultravox и Human League, которые также делают акцент на синтезаторы с перегруженными гитарами. Но самой большой популярности во всем мире добились Depeche Mode.

Стоит отметить, что жанр среди критиков не прижился в начале своего пути. Концепцию синтезаторов как основных инструментов поп-музыки называли бездушной. Но публика считала иначе. Из смеси пост-панка и электро жанр начал превращаться в полноценную поп-музыку. Eurythmics, Pet Shop Boys, Alphaville, Yello, A-ha, New Order, Duran Duran, Frankie Goes To Hollywood, Tears For Fears и многие другие подключились к синти-поп звучанию. Многие в текстах ушли в темы гедонизма, ярких эмоций и, конечно, любви, что стало основными темами большинства жанров поп-музыки. Исполнителей, затрагивающих подобные тематики в то время называли новыми романтиками.

К началу 90-х название «синти-поп» постепенно находило себе новое определение в андеграунде. Теперь это серьезные и глубокие тексты, большая и серьезная работа со звуком. В конце 80-х песни Depeche Mode «Personal Jesus» и «Enjoy The Silence» изменили направление в более зрелую и минорную сторону. Последняя стала эталонной — многие пытались прийти именно к такому звучанию, настроению и даже тембру голоса. С уходом в подполье жанр вобрал в себя индустриальные черты — это называют фьюча-поп. Также, в конце 90-х возвращается мода на первоначальные музыкальные приемы и звучание начала 80-х, что назвали электроклэшем.

Синти-поп важная часть истории: вначале это торжество синтезаторов в массовой культуре, а позже стал особой формой поп-музыки, с особенными текстами и аранжировками, став необычной, характерной стороной многогранной поп-музыки.

Traditional pop

aka Classic pop

После второй мировой войны джаз плавно перетекает в поп-музыку — более понятную, менее импровизированную и с четкой куплетно-припевной формой. Этому способствовали джазовые стандарты — музыкальные композиции, которые являются хрестоматией жанра. Негласно этот перечень произведений обретает узнаваемые черты и законы: после джазового квадрата вокала следом идёт импровизация какого-то инструмента на тот же джазовый квадрат, например. То есть, появились форма и правила, с помощью которых можно играть произведения без подготовки. Музыка свободы и импровизации обрела рамки, вывелась в массы и со временем начали появляться песни, где от джаза уже мало что осталось.

Небольшой ансамбль или оркестр, который из биг бэнда превратится в симфонический оркестр, образцово одетые певец или певица, понятные тексты о понятном — это классическая поп-музыка. Словосочетание «традиционный поп» пришло позже, когда стало ясно, что это исток современной поп-музыки. Фундамент развития этот этап получил в США, но также 50-70-е годы немыслимы без итальянской поп-музыки, французского шансона, советской эстрады и других воплощений традиционной поп-музыки. В целом, в то время Европа состояла из классического попа, это очень видно по формату конкурса «Евровидение», где симфоническое сопровождение было обязательным. Сами песни того времени сейчас называются поп-стандартами, как бы подчеркивая фундаментальность периода.

Наиболее заметным примером превращения джаза в поп-музыку является Куинси Джонс — джазовый трубач, который стал величайшим продюсером в истории. Его путь показателен: от джазового оркестранта, через аранжировщика, в том числе для Френка Синатры, до продюсера Майкла Джексона.

Представителями традиционной поп-музыки США в 50-е являются: Френк Синатра, Тони Беннет, Патти Пэйдж, Джо Стаффорд и другие. В современности очень точно придерживается эстетики 50-х Майкл Бубле. В Советском Союзе популярными представители эстрады были Любовь Орлова, Клавдия Шульженко, позже Эдита Пьеха, Алла Пугачева, Иосиф Кобзон, Муслим Магомаев, Эдуард Хиль, Геннадий Белов, Лев Лещенко и другие.

Ambient

В переводе с английского означает «обволакивание». Музыка действительно такова — в первоисточнике она без ощутимого ритма, как бы парит в воздухе и окутывает собой всё простыми и лёгкими на восприятие гармониями и ненавязчивыми, почти отсутствующими мелодиями.

Как произошел жанр история противоречивая. С коммерческой точки зрения эмбиент придумал рокер Брайн Ино, с творческой стороны такая безритмичная обволакивающая музыка уже существовала до него, просто не называлась эмбиентом. Более того, тягучая музыка была в древности — в Китае и Индии, например. Мягкие переливы древних труб и щипковых инструментов схожи с идеями современного эмбиента.

Но основной исток — эксперименты с синтезаторами, звукозаписью и обработкой звука. В фильме «Запретная планета» Фреда Уилкокса в 1956 году Фредди и Бебе Баррон использовали электронную схему кольцевого модулятора, которая искажает звук до неузнаваемости. Это фактически саунд-дизайн, до эмбиента в привычном понимании еще далеко, но это музыка и она абстрактна. Позже оказалось, что уникальные тембры способен синтезировать АНС — световой синтезатор 1958 года, инженера Евгения Мурзина. Синтез — значит создать звук с нуля; до этого момента такое не представлялось возможным. В 1972 году саундтрек и элементы саунд-дизайна к «Солярису» Андрея Тарковского написал композитор Эдуард Артемьев, используя в том числе АНС. Так, он подчеркивает настроение отдельных сцен и фильма в целом. Замысел фильма похож на «Запретную планету», в свою очередь идеи Брайна Ино очень похожи на идеи Эдуарда Артемьева, которые он воплотит в 1978 году.

Правда, у музыки Брина Ино другие функции, не отражение вселенской пустоты и фантастических идей, как в «Солярисе», «Запретной планете» и других ранних фантастических фильмах, в которых звучала такая космическая музыка. Выпустив альбом «Ambient 1: music for airports» Ино утверждает, что эта музыка «сколько игнорируемая, столько же и интересная». То есть фоновая, прикладная, подобно идеям Эрика Сати с мемблировочной музыкой в 10-х годах прошлого века. Первоначальными были мысли о мире вокруг, что нас окружает и обволакивает своими звуками. Ино говорил, что идея эмбиента к нему пришла в больнице, у него была сломана нога и он лежал, ничего не делая. Звуки улиц из окна заставили его задуматься, что музыка может состоять из всего, что нас окружает, подобно идеям футуристов. Если не вычленять пение птиц, звук машин или дуновение ветра, а слушать это как единый поток и отбросить ассоциации, что это машины, птицы и ветер, то в каком-то смысле и получится эмбиент, так как эти звуки единым потоком окружают нас, обволакивают.

Название альбома стало названием жанра, стали появляться разновидности по настроению: гулкий и тягучий дроун, этнический нью эйдж, мрачный и массивный в басах дарк-эмбиент и другие. Музыка стала прикладной, для йоги и медитации, например. В 90-е эмбиент соединился с хаусом и это дало толчок для рождения поджанров чиллаута.

Помимо Брайна Ино в жанре работали Стив Роуч, Жан-Мишель Жар, The Orb, KLF, Китаро, Эфекс Твин и многие другие музыканты, диджеи и композиторы.

Avant-garde

В 10-20-х годах XX века авангард определяет искусство человечества. Его ярчайшее направление — футуризм — в наибольшей степени влияет на дальнейшее развитие музыки. Если объяснить просто: итальянские и русские культурные деятели стремились отказаться от старых музыкальных устоев и наследия прошлых веков, называя это свалкой искусства и пережитком прошлого.

Всё начинается со слова. В 1909 году военный врач Николай Кульбин пишет манифест «Свободная музыка», где предсказывает, что 12 полутонов, 7 нот и инструменты оркестра — это ограничения, которые необходимо снимать в сознании. В манифесте указано, что музыку можно исполнять не только в полутонах, но и в доныне немыслимых микротонах, а музыкальным инструментом может быть что угодно — от природных до человеческих и механических звуков. Позже, итальянцы Франческо Балилья Прателла и Луиджи Руссоло также напишут свои труды о музыке будущего, более радикальные, но и более вдохновляющие.

В 1918 году идеи футуристов воплотились в реальность благодаря Арсению Авраамову, сочинившему и исполнившему «Симфонию гудков». Произведение состоит из механических звуков и разных гудений, грохота пушек и пролетарского хора. Произведение стало своего рода гимном индустриализации и новым догмам России, которая вот-вот превратится в Советский Союз. Кроме Авраамова и Руссоло в футуризме работали Артур Лурье, Александр Масолов и другие.

Идеи футуристов были положительно отмечены, но пока не возымели прямого продолжения. Индустриальными идеями вдохновлялись модернисты, но не отказываясь от привычных музыкальных законов и наследия.

В 1950 году всё изменилось. Пьер Шеффер и Пьер Анви представляют премьеру — «Симфонию одного человека» и называют это конкретной музыкой. Шеффер являлся главным двигателем нового направления. Суть в том, что записанные звуки искажены: перевернуты, растянуты и не обязательно несут тот смысл, который в них заложен. Например, если вы слышите хлопок, то это не обязательно хлопок — вы сами конкретизируете природу звука. Позже, композиторы Джон Кейдж, Эдгар Варез, а также Beatles и Pink Floyd экспериментировали со звуками. Теперь музыка — это всё, что угодно и когда угодно. Случайное или организованное не так, как раньше. Такой радикализм был необходим для будущих музыкальных свершений. Эти идеи не ушли вовсе — в 80-е появляются жанры нойз и индастриал, став частью истории и нашедшие свою аудиторию.

Благодаря авангарду, теперь можно исполнять музыку на чем угодно, или же записать звук и исказить его в творческих целях, и вовсе не обязательно получать его из привычных музыкальных инструментов. На первый взгляд мысль абсурдна, но именно авангардисты первой половины XX века развязали руки инженерам и изобретателям, которые стали воплощать идеи новых электронных инструментов и синтезаторов. Так, мир получил новые звуки, новые ритмы, новые гармонии, возможность их изменять как угодно и сделать мир таким, какой он есть сейчас.

UK Garage

Так называют семейство британской электроники, которое появилось от смеси хауса из Нью Йорка и драм-н-бейса. С годами жанр эволюционировал в популярный на весь мир дабстеп. Все поджанры объединяют разнообразные ударные и мощная гулкая басовая партия, которая, в свою очередь имеет влияние от ямайского даба, где бас является важным атрибутом.

Хаус в купе с драм-н-бейсом назвали Speed Garage - ускоренный Нью Йоркский гараж-хаус был экспериментами британских клубов в 93-94 годах и через некоторое время сформировался новый жанр. Забавно, что благодаря американцу - Арманду Ван Хелдену.

Чуть позже, в тех же британских клубах, экспериментируя с ударными, выводят 2-step. Этот жанр слушается легче и светлее, чем спид гэридж, в нем часто слышны сладкие соул-партии. Звучание стало массовым благодаря Крейгу Дэвиду и жанр прижился в более пафосных, фактически гламурных местах.

Позже, звук массивного баса разлетелся по Соединенному Королевству. Например, в северной Англии и Мидленсе стал популярен жанр бэйслайн - все тот же глубокий бас, часто соул-вокал, но с ровной бочкой, а не ломанной из тустепа. Центром притяжения всегда оставался Лондон, в отдельных районах звучание также могло отличаться. В 00-х, например, было популярным звучание гэриджа в смешении с афро-карибскими ритмами, что называют UK Funky.

Но основная история, которая повлияла на весь мир, делалась на юге Лондона. В начале 00-х тустеп начал мрачнеть. Появляются треки, которые называют брейкбит гэриджем (брейкстепом) жанр находит самоопределение улиц Лондонского гетто. Так появляются дабстеп и грайм. Дабстеп в своем начале вовсе не является мощным и разрывным, а скорее камерным, мрачным, стильным, гулким. Его играют на пиратских радостанциях и вечеринках, преимущественно это музыка британских чернокожих. А то, что называют дабстепом в массах, на самом деле является бростепом - индустриальные пилы, перегрузы и необузданная мощь стадионов. Такой звук имел необыкновенную популярность в конце 00-х и начале 10-х, такой звук называли дабстепом, такой звук играл Skrillex. Определён даже первый трек, как дабстеп эволюционировал в бростеп - это «Cockney thug» британского музыканта Раско. Бростеп вошел в мировую историю даже для тех, кто в музыке не разбирается совсем. Жаль, что не под своим именем.

В восточной части Лондона - на улицах, в клубах и опять же пиратских радиостанциях, развивался британский рэп с атрибутами гэриджа - грайм. Важно отметить, что грайм - не игра в американский рэп и хип-хоп культуру, а самоопределение, отражение реальности улиц Лондона. То есть, у американцев свои тексты, свои биты, свои улицы и своя правда, а у британцев своё. Они придумали свой хип-хоп заново, и единственное, что их объединяет - уличная спортивная одежда и ритмичные читки о жизни. Поверхностно, конечно, это тоже рэп, но с музыкальной точки зрения это совершенно новая история. Стоит отметить, что британские власти прессовали грайм, обвиняя исполнителей в пропаганде ношения оружия и выставляя жанр преступным.

Интересное семейство британских жанров оказалось крайне передовым и важным в истории. Важность баса была доказана еще раньше - с пришествием даба в массы, но британцы закрепили успех: бас может быть в разных интересных красках, ударные могут быть самыми разными и если кто-то спросит, как звучит электронная музыка Соединенного Королевства, то вот он ответ - британский гэридж.