Pop
Modern
Electro
Avant-garde
Ambient
Industrial
Western
Counry
Work Song
Spirituals
Blues
Gospel
Ragtime
Soundtrack
R&B
Mento
Rock'n'roll
Rock
Metall
Punk
New Wave
Alternative
Synth-Pop
Disco
Funk
Soul
Jungle
UK Garage
Breakbeat
Hip-Hop
Trap
Drum'n'bass
Hardcore
Techno
IDM
Trance
Ska
Rocksteady
Reggae
Dub
Dancehall

Baroque

Музыка периода барокко (XVII-середина XVIII вв.) – это переломный момент в европейской академической музыке. Придя на смену ренессансу, барокко установило правила, которые используются в музыке по сей день.

Наиболее серьёзный вклад сделал Иоганн Себастьян Бах, написав «Хорошо Темперированный Клавир». Предполагалось, что эти два тома прелюдий и фуг исполняются во всех тональностях по тонам и полутонам, в 12-ти полутоновой системе (12 полутонов – 7 белых и 5 чёрных клавиш на рояле, например), которая называется темперированной. Такой вид настройки инструмента позволяет быть равноправными все тональности. То есть, одно произведение может звучать одинаково хорошо в любой тональности. До того момента темперированная система была не в чести, но в последующих эпохах и вплоть до сегодняшнего дня, именно по этой системе сочиняется 99% музыки, а "Хорошо Темперированный Клавир" является отличным показательным примером в плане мелодии и гармонии для музыки последующих эпох.

Музыка того времени звучит довольно пышно, манерно, но в тоже время слаженно и грациозно. Например, в период барокко была популярна "Музыка на воде" Генделя - высокопоставленные люди катались на лодках по озеру, а на берегу играл небольшой струнный оркестр. Музыка на воде наиболее точно отображает атмосферу периода барокко - напыщенность и помпезность. Другими наиболее яркими представителями периода барокко также являются Антонио Вивальли, Клаудио Монтеверди, Генри Пёрсел, Джованни Томазо Альбинони, Георг-Филипп Телеман. Именно в этот период появляется опера и формируются новые музыкальные концепции в написании нот и их исполнении.

Classicisme

aka Classic

Период классицизма (вторая половина XII-XIII вв.) – это продолжение традиций барокко, но в более строгих рамках. В XII веке классицизм развивался параллельно с барокко, преимущественно во Франции, где наиболее яркими композиторами были Жан-Филипп Рамо и Жан-Батист Люлли, а XIII век - это Венская Школа, наиболее популярная для слушателя.

Произведение классицизма идеально сбалансировано, в нём продуманы все тонкости, от первой до последней ноты произведение находится в некой идеальной схеме – начиная от формы и заканчивая гармоническими и мелодическими особенностями. В целом, произведения классицизма звучат, как утонченная эмоция. То есть, какую либо трагедию или радость музыка воплощает очень грациозно, тонко и даже непринужденно. Можно грубо сказать, что венский классицизм выглядит довольно типовым, неподготовленный слушатель перепутает все симфонии Гайдна.

Представителями венской школы являются Франц Иосиф Гайдн, Вольвганг Амадей Моцарт и Людвинг ван Бетховен. Также, в этот период оперные рефонмы немецкого композитора Кристофа Виллибальда Глюка определили новый виток развития оперы. В этот период, благодаря венским классикам, окончательно формируется сонатная форма, которая основывается на противопоставлении двух контрастных тем, формируется также и симфония, благодаря Иосифу Гайдну. От формирования симфонии, приобретает более современные черты и симфонический оркестр.

Romantism

Музыка периода романтизма (XIX в.) отличается воплощением яркой ассоциации, чувств и эмоций, найденных в ритме, мелодии и гармонии. Если музыка классицизма более сдержанная и от того кажется одинаковой, то романтизм подсказывает слушателю своей атмосферой, о чём же произведение, своим развитием, возможно, рассказывает историю, раньше музыкальное настроение так не передавало и не вызывало эмоции. Композитор может ярко и без слов раскрыть какую-то литературную историю, может завуалировать в музыке свои личные переживания и эмоции, развивая их так, чтобы зритель всё понял без слов. Пришедшая из классицизма сонатная форма помогает в музыке контрастировать разным темам, противостоять друг другу, например, добру и злу, создавая конфликт. В более ранних периодах также существовала программность в произведениях, но именно в романтизме контраст сильнее, он ощущается на интуитивном уровне, через ассоциации.

Существует мнение, что романтизм начинается с Бетховена - его произведения выдержаны в типовых традициях классицизма, но уже становятся более эмоциональными. Также, сильным двигателем романтизма называют Шумана. С этими важными чертами произведения приобретают бОльшую индивидуальность и выразительность. Оркестр стал расширяться технически; роли инструментов расширяются с техническим прогрессом. Например, медные духовые с обретением вентилей могут играть все ноты, раньше же были ограничения. Сильно на роли в оркестре повлиял Рихард Вагнер, используя новые инструменты и расширяя составы старых. Также, добавляются новые средства выражения. Например, Петр Чайковский в Увертюре 1812 использует залп пушек, а Иоганн Штраус-сын в своей польке «В Павловском лесу» использует специальные свистульки, которые изображают пение птиц. Немузыкальные средства выражения не в чести, но они заметно помогают ассоциативности в прослушивании, а также добавляют некоторого элемента шоу.

Помимо Чайковского, Вагнера и Штрауса, наиболее яркими представителями романтизма являются Франц Шуберт, Гектор Берлиоз, Фредерик Шопен, Иоганн Штраус, Эдвард Григ, Ян Сибелиус, Михаил Иванович Глинка, Модест Петрович Мусоргский, Густав Маллер и многие другие композиторы Европы и России.

Impressionism

Музыка периода импрессионизма развивалась в конце XIX века, во Франции, параллельно с романтизмом, и продолжала развиваться в начале ХХ века. Импрессионизм в музыке имеет тонкую связь с импрессионизмом в живописи. Импрессионизм в живописи, в свою очередь - это картины моментов жизни, природы, то есть всего, что окружает человека именно в том виде, в каком оно есть. Impression в переводе с французского - впечатление.

Импрессионизм в музыке преследует те же принципы - произведение является картиной момента, впечатлением автора, утонченно и несколько статично описывая пейзаж или момент. Это главное отличие от романтизма – он эмоционален, рассказывает историю, показывает конфликт, развивается. А импрессионизм как картина – показывает шум моря, падающие капли с крыши, например. Показывает довольно тонко и бесконфликтно; музыка почти без сюжетного развития.

В импрессионизме композиторы обращались к новым мелодическим, гармоническим и ритмическим приемам, для достижения ярких ассоциаций и описания впечатления. От этого музыка стала ещё более свободной; композиторы тонко и в тоже время ярко рисовали красочные моменты жизни музыкой. Первооткрывателем импрессионизма является Эрик Сати, позже он откажется от своих идей в пользу разных радикальных музыкальных экспериментов, но живописно-музыкальную идею подловят Клод Дебюсси и Морис Равель. Также, отдельные произведения Мануэля де Фалья, Отторио Респиги, Игоря Стравинского и других европейских композиторов начала XX века относят к импрессионизму.

House

Хаус-музыка – это самое первое воплощение клубной электронной музыки. Хаус зародился из экспериментов с диско в Чикаго в начале 80-х, в клубе Wharehouse, за вертушками Френки Наклза. Вначале это были своего рода ремиксы на диско (так называемое пост-диско), а к 86-87 годам чикагские музыканты в домашних условиях начали осваивать драм-машины и синтезаторы, основываясь на вокале, скорости 120 ударов в минуту, гармониях и ритме диско. Вскоре новый жанр стал играть в клубах Нью Йорка и Чикаго вместо диско. 

Название пришло из вышеупомянутого клуба Wharehouse – музыку, которую заводил там Френки называли Wharehouse music, что со временем сократилось до house music. Через пару-тройку лет у хауса появились поджанры, которые уже успели выйти за пределы Чикаго. В Нью Йорке заводили гараж (garage), в Великобритании стал невероятно популярен эйсид хаус (acid house), который не очень прижился в родном Чикаго. Довольно быстро хаус добрался и до Ибицы, где с годами вывелся в массы Балеарский хаус (Balearic house), в популярности по сей день не уступает и уникальный атмосферный поджанр дип-хаус (deep house), и с годами поджанров становилось всё больше и они разлетались по всему миру.

Пионерами и двигателями хауса в начале его пути являются Ларри Леван, Джесс Сандерс, Маршалл Джефферсон, Джимми Принсипл, Стив “Silk” Харли, Phuture, S Express. Звездами хауса в поджанрах в разное время стали Daft Punk, Бэнни Бенасси, Дэвид Гетта, Арманд ван Хелден, Modjo, Пол Акенфолд, ATB, Dimitri from Paris, Blue Six, Керри Чендлер, Оливер Хелденс и многие другие.

Хаус – это основа электронной клубной культуры, а также неотъемлемая часть поп-музыки в наши дни.

Pop

Поп-музыка - это понятие, которое собирает в себе множество разных звучаний, не имея какого-то конкретного. Поп - то есть популярное. Это изначально коммерческие песни и артисты, заточенные в первую очередь на заработок на творчестве. Вопреки стереотипам, поп - не значит «не качественно». Деньги и слава становятся мотиватором в творении, артисты трудятся ради качественного танца, вокала, качественного шоу, которое впечатляет, собирает залы и стадионы. Как следствие, артисты и их продюсеры зарабатывают именно на качественных творениях.

Формат шоу-бизнеса в поп-музыке постепенно начал работать в 80-е. Синти-поп стал крайне популярным и вышел в массы до такой степени, что потерял свой смысл, ушел в андеграунд и там приобрел новые черты для узкой аудитории, но средства сценического выражения остались. Со временем, иные звучания и аранжировки стали заимствоваться из музыки разной узкой аудитории - андеграунда. Например, В 1990-м году Мадонна первой использовала хаус в своей песне Vogue, до этого хаус был сугубо клубным жанром. Если музыкальное явление набирает популярность в узких кругах, оно рано или поздно будет использоваться массово и становится модным, трендом. Сама Мадонна является прекрасным примером трудолюбия: она всегда хорошо танцует, делает качественные шоу. Далеко не сразу она начала заниматься вокалом более профессионально, но и этот момент все же наступил. Тем не менее, и без уроков вокала Мадонна нашла свою аудиторию и отклик.

Поп-музыка делится скорее на аудитории, нежели на жанры. Танцевальный поп, с элементами соула и фанка, является приоритетным в 80-е и 90-е: Майкл Джексон, Джордж Майкл и Уитни Хьюстон являются ярчайшими примерами, позже это Jamiroquai, Бруно Марс, Фарелл Уильямс. Более электронный поп - это Moloko, Софи Эллис Бекстер, Джастин Тимберлейк, позже Леди Гага, Дуа Липа. В 90-е был крайне популярен жанр Евродэнс. Есть понятие Тин-поп (teenager - тинейджер) - певцы и группы для подростков. К таким в 90-е относят Backstreet Boys, N’SYNC, позже Бритни Спирс и других. Современный тин-поп - Билли Айлиш. Adult Contemporary - это талантливые артисты, для которых в приоритете именно вокал, тексты и аранжировки, не взирая на тренды. К таким относится Стинг, Sade, Элтон Джон, а также отдельные песни артистов, кто ставит творчество во главе угла, но не забывают о привычных форматах. Classical Crossover - это поп-музыка с элементами оперы и иной академической музыки, Сара Брайтман является ярчайшим представителем.

Критики же, ругая успех артиста, скорее не относятся к его целевой аудитории или же считают, что искусство не должно продаваться, а оставаться в андеграунде для своих, где не потеряет своего шарма и качества. Но поп-музыка - это всегда абсолют сочетания коммерции и искусства. Качественный продукт всегда будет хорошо продаваться и останется в истории надолго. А что называть качественным - решает публика, хотя, конечно, есть и профессиональные критерии.

Jazz

Направление, которое в начале XX-го века в США дало сильный толчок для развития музыки в дальнейшем. Джаз - не противопоставление академической музыке (классике), а именно её продолжение; первые явные аккорды и гармонии начали появляться у Эрика Сати и Сергея Рахманинова, например, еще до возникновения джаза. Поиск новых музыкальных идей дал свои плоды, дав фундамент в джазовые законы мелодии и гармонии. Конечно, сильно повлиял и африканский фольклор, в первую очередь в ритмике и принципах исполнения музыки. То есть, именно потомки африканцев, рабы американского юга, могли играть на инструментах и петь не по европейским академическим законам, даже если пытались их изобразить.

Легенд возникновения джаза очень много: от танцевальных вечеров в Новом Орлеане до музыкального сопровождения баров и публичных домов. Возможно, всё вместе, но важно понимать: всё происходило постепенно, с конца 1890-х до 1920-х джаз вбирал в себя разные музыкальные законы разных культур. Мгновенно это не произошло. Но именно на американском юге соединяются воедино некоторые принципы академической музыки, блюза и африканской ритмики. В 1920-х, от строгого академизма, элементов маршей, грустного блюза и примитивной ритмики не останется узнаваемых черт, появится новое направление, которое окрестят джазом, и исполняют его диксиленды - небольшие ансамбли, 6-7 человек. Из классического барабана и металлических тарелок разрастается ударная установка. Контрабас больше не нуждается в смычке. Гитара может играть не только блюз и фламенко, но и то, что к 40-м назовут свингом, а также кларнет, труба и саксофон, некогда исполнявшие военную музыку, могут импровизировать, вбирая в себя основы блюза и регтайма. Местом выявления первых четких черт джаза принято считать Новый Орлеан. Примечательно, что один из первых диксилендов Нового Орлеана состоял из белых музыкантов.

Позже, джазовые оркестры начнут появляться севернее, диксиленды сильно разовьются в Чикаго, а Нью Йорк будет сильным местом притяжения джазовой культуры, где она начнет развиваться в большие джазовые оркестры (биг-бенды), что и назовут свингом. К 50-м годам появится потребность в небольших клубах для своих, где играют 4-5 человек более сложный джаз - бибоп. Далее, из постепенного перехода времени, из жанра в жанр, из случайных находок музыкальных приемов, музыка перерастает в культуру. Теперь это не эксперименты, баловство или необходимость потомков афро-американских рабов, а сформировавшийся огромный пласт музыки, без которого современная музыка не существовала бы.

Ярчайшими представителями разных времен и жанров являются: Луи Армстронг, Элла Фицджеральд, Билли Холидей, Чарли Паркер, Бенни Гудмен, Пэгги Ли, Дюк Элингтон, Гленн Миллер, Дэйв Брубек, Майлс Дэвис, Джон Колтрейн, Диззи Гиллеспи, Артуро Сандоваль, Аструд Жилберту, Уинтон Марсалис, Чик Кориа и многие другие музыканты.

USA Academic Music

Американская академическая музыка - это широкая и важная тема в развитии истории музыки. Если коротко: европейские и русские эмигранты перебрались в Новый Свет и продолжали заниматься музыкой, кто-то под впечатлением от местных культур, а кто-то с ностальгией о родных землях.

Теперь не коротко. Академическая музыка в Америке и её система музыкального образования начинается с чешского композитора периода романизма Антонина Дворжака, которого пригласили на должность директора Нью Йоркской Консерватории в 1892 году. Дворжак проникся традиционной американской культурой и его самая популярная симфония - 9-я - называется «Из Нового Света», она стала апофеозом его прибывания в США. Дворжака пригласили не только наладить систему образования, но и систему музыкальных американских ценностей, ведь первоначально США является по сути сборной эмигрантов Европы, России и потомков рабов из Африки; страна не имела собственной культуры. Какая же музыка у Америки может называться национальной Дворжак так и не понял, за него это сделали Нью Йоркские журналисты, приписывая ему выводы, что музыка Америки - это госпел и регтайм. Позже окажется, что журналисты близки к истине.

В конце XIX и начале XX века хлынула новая волна эмигрантов. Из России это были Сергей Рахманинов и Игорь Стравинский. Переезд не мог не оставить опечаток в их творчестве и их творчество также повлияло на местную культуру. Рахманинов очень скучал по родной России, под конец жизни он написал «Симфонические танцы», где есть соло саксофона, который играет довольно русскую мелодию. Стравинский же более явно использовал джазовые приемы в довоенное время. Например, в 1945 году он пишет эбони-концерт для кларнета и джазового ансамбля (правда, довольно нестандартного). Яркий пример «местных» композиторов - Чарльз Айвз. Более современная академическая музыка присутствует и у композиторов к фильмам, например, у Филиппа Гласса.

Американская академическая музыка - это не только последователи традиционного академизма, но также композиторы, сочетающие в себе джаз и симфонический оркестр. Это называется симфоджаз. Первооткрывателем смелого сочетания является Джордж Гершвин, а камнем преткновения, где соединился симфонический оркестр и джаз - Рапсодия в стиле блюз 1924 года, которую многие называют «американской классикой». Также, его опера «Порги и Бесс», и симфоническая поэма «Американец в Париже» являются эталонными в сочетании джаза и симфонического оркестра. Позже, Леонард Бернстайн пишет мюзикл «Вестсайдская История», который часто исполняется оркестрами в концертных залах, наряду с его симфониями (например, 2-я «Век тревоги»). Произведения Бернстайна занимают весомую нишу в истории академической музыки США. В последствии, джазовое звучание симфонического оркестра стало фундаментальным в преображении оперетты в мюзикл, а также симфоджазовые аранжировки часто использовались в американском кинематографе в первой половине XX века.

Стоит отметить, что симфоджаз является не только американским достоянием. Мексиканский композитор Артуро Маркес очень изобретательно внедряет латину и джаз в симфонический оркестр, в Германии популярен Курт Вайль. Ярчайшим примером советского симфоджаза является Александр Цфасман. Вопреки стереотипам, джаз в СССР исполняли свободно до 1948 года, проблемы и травля начались позже.

Lounge

aka Chillout

В начале 90-х годов на Ибице Хосе Падилья сделал бизнес: он записывал сборники музыки на аудиокассетах. Там были самые разные композиции, которые охарактеризовалась как легкие, непринужденные. Это были разные жанры, но их объединяла именно легкость прослушивания. На этих сборниках можно было встретить непринужденные формы джаза и поп-музыки, разную инструментальную и оркестровую музыку, которая не пестрила зажигательностью. Бизнес пошел в гору, кассеты покупались. Спустя какое-то время Хосе стал диджеить в баре на берегу Cafe Del Mar и заодно продавать эти сборники.

В 1998 году выходит первая официальная компиляция, которая так и называется - Cafe Del Mar. Там было уже нечто общее между композициями, что-то электронное - в первую очередь бит (как медленный, так и доходящий до 120 ударные в минуту) и обволакивающие синтезаторы. Все треки также объединял шарм непринуждённой жизни не бедной Ибицы, музыка не рваная, не давящая, но актуальная по музыкальным приемам, модная. Элементы джаза, эмбиента и сильная музыкальность, в противовес как бы примитивным рейв-направлениям, добавляла ценности - как духовной, так и материальной. Обычные диджеи не могут писать лаунж, нужно знать музыкальные законы, свойства инструментов, гармонию, зачастую джазовую.

Такая музыка отлично подошла для закатов, которые наблюдаются с террасы Cafe Del Mar до сих пор. Сформировалось отдельное направление, которое стали называть чиллаутом, дорогие отели и бары мира подхватили фишку, что фоновая электронная музыка может продаваться на дисках и продвигать название их заведения. Таковыми вслед за Cafe Del Mar были Bhudda Bar и Hotel Costes, например.

Лаунж стал полноценным прикладным направлением, которое продолжает авангардные идеи Эрика Сати о мемблировочной музыке: играет фоном и на это не нужно обращать внимания. Идеи Сати были очень топорными и были не поняты, но спустя где-то 90 лет эти идеи в виде фоновой расслабляющей музыки оказалась кстати, но теперь в объединении многих других музыкальных культур. Появились поджанры: даунтэмпо, дип-хаус, нью-джаз, электробосса, электротанго и другое.

Ярчайшими представителями лаунжа в разных формах являются: St.Germain, De-Phazz, Jazzanova, Moby, Gotan Project и многие другие.

Traditional pop

aka Classic pop

После второй мировой войны джаз плавно перетекает в поп-музыку - более понятную, менее импровизированную и с четкой куплетно-припевной формой. Этому способствовали джазовые стандарты - музыкальные композиции, которые являются как бы хрестоматией жанра. Негласно этот перечень произведений обретает узнаваемые черты и законы: после джазового квадрата вокала следом идёт импровизация какого-то инструмента, на тот же джазовый квадрат, например. То есть, есть форма и правила, с помощью которых можно играть произведения без подготовки. Музыка свободы и импровизации обрела рамки, вывелась в массы и со временем начали появляться песни, где от джаза уже мало что осталось.

Небольшой ансамбль или оркестр, образцово одетые певец или певица, понятные тексты о понятном - это классическая поп-музыка. Словосочетание «традиционный поп» пришло позже, когда стало ясно, что это исток современной поп-музыки. Наибольшее развитие этот этап получил в США, но также 50-70-е годы немыслимы без итальянской поп-музыки, французского шансона, советской эстрады и других воплощений традиционной поп-музыки. В целом, в то время Европа сплошь и рядом состояла из классического попа, это очень видно по формату конкурса «Евровидение», где симфоническое сопровождение было обязательным. Сами песни того времени сейчас называются поп-стандартами, как бы подчеркивая фундаментальность периода.

Наиболее заметным примером превращения джаза в поп-музыку является Куинси Джонс - джазовый трубач, который стал величайшим продюсером в истории. Путь от оркестранта, через аранжировщика, в том числе для Френка Синатры, до продюсера Майкла Джексона, довольно показателен.

Ярчайшими представителями традиционной поп-музыки США в 50-е являются: Френк Синатра, Тони Беннет, Патти Пэйдж, Джо Стаффорд и другие. В современности очень точно придерживается эстетики 50-х Майкл Бубле. В Советском Союзе ярчайшими представители эстрады были Любовь Орлова, Клавдия Шульженко, позже Эдита Пьеха, Алла Пугачева, Иосиф Кобзон, Муслим Магомаев, Эдуард Хиль, Геннадий Белов, Лев Лещенко и другие.

Made on
Tilda